A impressão que tenho é que o tempo anda em fast forward a partir de certa idade. Parece que foi ontem que batemos o martelo: Cópia Fiel de Abbas Kiarostami como o melhor filme de 2010. De lá pra cá, O Discurso do Rei de Tom Hooper levou o Oscar, Terrence Malick deixou Cannes com Palma de Ouro de melhor filme por A Árvore da Vida e Woody Allen completa nesta semana sete meses em cartaz com seu Meia Noite em Paris em terras brasilis.

Em outros posts sobre melhores filmes do ano recebemos muitos comentários questionando o critério de seleção em relação ao ano de produção e lançamento dos mesmos. O critério de classificação dos filmes é o seguinte: filmes distribuídos ou exibidos no Brasil em 2011 com produção entre em 2010 e 2011. O filme pode ter sido lançado diretamente em DVD, exibido em mostras ou festivais ou em circuito limitado que mesmo assim está apto a figurar na lista. O filme está descartado caso tenha sido lançado ou avaliado em 2010 (como o caso do próprio Cópia Fiel ou Tio Boonmee que pode recordas suas vidas passadas, por exemplo).

A novidade é que escolhemos os melhores em diversos aspectos, como roteiro, edição e elenco, ao invés de nos concentrarmos apenas nos filmes. Enfim, vamos a eles. Sintam-se livres para comentar, concordar e discordar.

Antes dos melhores, os piores:

OS PIORES FILMES DE 2011

01. VAMOS FAZER UM BRINDE (Idem, Brasil, 2011)

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02. INVERSÃO (Idem, Brasil, 2011)

03. A GAROTA DA CAPA VERMELHA (Red Riding Hood, EUA/Canadá, 2011)

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04. O TURISTA (The Tourist, EUA/França/Itália, 2010)

05. RAIVA (Kalevet, Israel, 2010)

[Leia a crítica]

06. LANTERNA VERDE (Green Lantern, EUA, 2011)

[Leia a crítica]

07. SUPER 8 (Idem, EUA, 2011)

[Leia a crítica]

08. SUCKER PUNCH – MUNDO SURREAL (Sucker Punch, EUA/Canadá, 2011) 

[Leia a crítica]

09. L.A ZOMBIE (Idem, EUA, 2010)

[Leia a crítica]

10. NÃO SE PODE VIVER SEM AMOR (Idem, Brasil, 2011)

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MENÇÕES NADA HONROSAS

- CILADA.COM de José Alvarenga Jr. [Leia a crítica]

- ALIEN LÉSBICA SOLTEIRA PROCURA de Madeleine Olnek [Leia a crítica]

- THOR de Kenneth Branagh [Leia a crítica]

- VEJO VOCÊ NO PRÓXIMO VERÃO de Philip Seymour Hoffman [Leia a crítica]

- OS ESPECIALISTAS de Gary McKendry

Enfim, os melhores:

ATRIZ COADJUVANTE

01. Melissa Leo (O Vencedor)

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02. Olivia Colman (Tiranossauro)

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03. Melissa Leo (Red State)

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04. Jessica Barden (O Retorno de Tamara)

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05. Evan Rachel Wood (Tudo Pelo Poder)

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ATOR COADJUVANTE

01. Geoffrey Rush (O Discurso do Rei)

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02. Harmony Santana (Gun Hill Road)

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03. Christian Bale (O Vencedor)

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04. Aaron Eckhart (Reencontrando a Felicidade)

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05. Clive Owen (Confiar)

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EDIÇÃO

01. DRIVE

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02. 127 HORAS

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03. BELLFLOWER

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04. MISS BALA

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05. SUCKER PUNCH – MUNDO SURREAL

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ROTEIRO ADAPTADO

01. Hossein Amini (Drive)

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02. Beatriz Bacher  (O Abismo Prateado)

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03. Debra Granik e Anne Rosellini (Inverno da Alma)

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04. Pedro Almodóvar (A Pele que Habito)

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05. George Clooney, Grant Heslov e Beau Willimon (Tudo Pelo Poder)

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ROTEIRO ORIGINAL

01. Woody Allen (Meia Noite em Paris)

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02. Petrus Cariry, Firmino Holanda e Rosemberg Cariry (Mãe e Filha)

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03. Ricardo Pretti, Luiz Pretti, Pedro Diogenes e Guto Parente (Os Monstros)

[Leia a crítica]

04. Sion Sono (Culpada por Romance)

[Leia a crítica]

05. Mark Heyman e Andres Heinz (Cisne Negro)

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ATRIZ

01. Natalie Portman (Cisne Negro)

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02. Yahima Torres (Vênus Negra)

[Leia a crítica]

03. Jennifer Lawrence (Inverno da Alma)

[Leia a crítica]

04. Zoé Héran (Tomboy)

[Leia a crítica]

05. Sara Fostier (Os Nomes do Amor)

[Leia a crítica]

ATOR

01. Javier Bardem (Biutiful)

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02. Ryan Gosling (Tudo Pelo Poder)

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03. Thomas Doret (O Garoto da Bicicleta)

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04. Johnny Depp (Rango)

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05. Fernando Bezerra (Transeunte)

ELENCO

01. O DISCURSO DO REI

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02. O VENCEDOR

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03. TUDO PELO PODER

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04. INVERNO DA ALMA

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05. RED STATE

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DIRETOR

01. Béla Tarr (O Cavalo de Turim)

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02. Nicolas Winding Refn (Drive)

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03. Terrence Malick (A Árvore da Vida)

[Leia a crítica]

04. Tom Hooper (O Discurso do Rei)

[Leia a crítica]

05. Darren Aronofsky (Cisne Negro)

[Leia a crítica]

MELHORES FILMES DE 2011

10. INVERNO DA ALMA

Direção: Debra Granik

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Exibido em circuito

09. RANGO

Direção: Gore Verbinski

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Exibido em circuito

08. RED STATE

Direção: Kevin Smith

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Exibido no Festival do Rio 2011

07. RISCADO

Direção: Gustavo Pizzi

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Exibido em circuito

06. MÃE E FILHA

Direção: Petrus Cariry

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Exibido no Indie – Mostra de Cinema Mundial 2011

05. O CAVALO DE TURIM

Direção: Béla Tarr

[Leia a crítica]

Exibido no Indie – Mostra de Cinema Mundial 2011

04. OS MONSTROS

Direção: Luiz Pretti, Ricardo Pretti, Gustavo Parente, Pedro Diogenes

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Exibido em circuito

03. CISNE NEGRO

Direção: Darren Aronofsky

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Exibido em circuito

02. MEIA NOITE EM PARIS

Direção: Woody Allen

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Exibido em circuito

01. DRIVE

Direção: Nicolas Winding Refn

[Leia a crítica]

Exibido no Festival do Rio 2011

MENÇÕES HONROSAS

- FINISTERRAE de Sergio Caballero [Leia a crítica]

- A ÁRVORE DA VIDA de Terrence Malick [Leia a crítica]

- HOMENS E DEUSES de Xavier Beavous [Leia a crítica]

- O GAROTO DA BICICLETA de Jean-Pierre e Luc Dardenne [Leia a crítica]

- TUDO PELO PODER de George Clooney [Leia a crítica]

É isso. Espero que tenham gostado da lista e de toda cobertura de lançamentos nos cinemas, DVD, festivais e colunas que o Cinema O Rama dispinibilizou para leitura em 2011. Agradecemos o carinho e todos que comentaram, opinaram, criticaram e elogiaram.  Que venha 2012!

Produzido pelos irmãos Ridley e Tony Scott e também pelo Youtube, A Vida em um Dia é a melhor maneira de comemorar o uso da câmera como rotina, algo que se popularizou através do próprio site de hospedagem de vídeos. O registro do cotidiano em diversas partes do mundo possibilita analisarmos como o entendimento da vida é bastante diferente e complexo. Mas o filme dirigido por Kevin MacDonald (O Último Rei da Escócia, Intrigas de Estado) não intenciona a fazer um trabalho etnográfico.

Com bom humor, o filme exibe as possibilidades de captar o momento – o cerne de qualquer documentário – sem o preparo estético ou do preparo que qualquer documentarista faria. A celebração da era digital, do uso do dispositivo como capturador da verdade, produzida por quem vive e não por quem se interessou pelo assunto.

Kevin MacDonald quebra toda noção de experimentalismo de A Vida em um Dia ao manipular os vídeos e colocá-los em ordem narrativa, separados por temas. Tornar o filme mais acessível causa identificação com certos personagens, tratando-os como peças e entrando num processo ficcionalizante acaba por criar barrigas para o filme, que tropeça em momentos de falso engajamento político e sentimentalismo.

A VIDA EM UM DIA (Life in a Day, Reino Unido, 2011) Direção: Kevin MacDonald Roteiro: Ridley e Tony Scott Duração: 95 min

RICKY (Idem, França/Itália, 2009) de François Ozon

François Ozon insere em um enredo  fantasioso, a discussão de valores familiares, oportunismo, quebra de privacidade e relações modernas. O diretor tem a noção exata de quando pode esconder ou exibir explicitamente idéias inseridas no subtexto de uma maneira que não atrapalhe a linearidade deste lado – bem bobo, por sinal – do longa que é regido pelas elipses, mas não deixa de ser uma experiência interessante.

O SOLISTA (The Soloist, Inglaterra/EUA/França, 2009) de Joe Wright

Apesar de alguns contratempos no primeiro ato, principalmente para sair de um modelo clássico para pontuar problemas de uma América pós 11/09, o filme de Joe Wright consegue contornar esse impecílio e desenvolve  bem o drama de um morador de rua e um jornalista vividos por Jamie Foxx e Robert Downey Jr., respectivamente. Ambos em ótimas atuações, por sinal. Mas o talento realçado é do diretor, que constrói planos belíssimos, brinca com a parte técnica e usufrui de movimentos de câmera inteligentes.

AMOR EXTREMO (The Edge Of Love, Inglaterra, 2008) de John Maybury

John Maybury mostra sérios problemas para desenrolar a trama em sua primeira metade, quando constrói um quadrado amoroso e tenta fazer um paralelo com a segunda guerra mundial, que ocorre na mesma época. Na segunda metade, a trama se desenvolve com mais facilidade, ganha forças e os conflitos são finalmente posicionados. Maybury consegue, enfim, sugerir que traumas de guerra e traumas amorosos podem ter a mesma equivalência dentro de um histórico conturbado, que é exaltado por Sienna Miller em ótima atuação.

O vencedor do Oscar de melhor documentário por Anne Frank Remembered, Jon Blair coloca a cabeça do espectador como um liquidificador em seu novo filme. Dançando com o diabo foi muito comentado antes mesmo de ser exibido no Festival do Rio por simplesmente não ter uma posição incrustada em suas imagens. Blair mostra, sem intenções sensacionalistas, o dia a dia de chefes do tráfico, policiais e um pastor, que é a única autoridade entre os bandidos e que pode transitar livre e ousadamente pelas comunidades com intuito de salvar vidas já condenadas pelo tráfico e salvar a vida dos traficantes, espiritualmente falando.

Ao se infiltrar no dia a dia do tráfico e apresentar à intimidade de nomes como Tola e Aranha, Blair nos mostra uma nova imagem para um estereótipo criado pelas situações extremas de violência nas grandes metrópoles. Em geral, eles gostariam de se livrar dessa vida. Os policiais, talvez por ordens superiores, gastam o tempo com inutilidades que os “funcionários” do tráfico resolverão em poucos minutos. A tensão dos policiais é imensa e a sensação é de ter a morte caminhando ao seu lado diariamente, como um deles diz em certo momento do filme.

Blair acerta por desconstruir esses personagens através dos dias e nos mostra que atrás de poses, armas, complexidades, contradições e medalhas, existe um sonho de mudança usando um ponto em comum nos três pólos estudados: A fé. O pastor Dione tem a missão de mudar a vida dos traficantes através da palavra de Deus. Foi bem sucedido em algumas obras e conseguiu selar a paz entre algumas comunidades, mas ainda tem o dever de salvar vidas que anteriormente teriam um final trágico, que agora a partir de um acordo com Aranha, chegam à igreja gravemente feridos, mas com uma segunda chance: a de achar um novo caminho para viver. Os policiais, apesar da dedicação e da adrenalina, tem a grande mancha criada pela má índole de alguns companheiros. Fora a obrigação de manter a segurança e a paz em locais perigosos, a luta também é para reverter um quadro criado pela sociedade. Os traficantes lembrarm que fazem parte de uma indústria, que cria empregos para pessoas que não tiveram oportunidades e suporte do governo, que segundo eles, também está interessado no dinheiro gerado pela venda de drogas quando investem em armas, carros blindados e deixam pessoas morrendo nos hospitais. Eles, se pudessem, sairiam dessa vida, apesar da estabilidade financeira. O preço da liberdade para eles é alto e o risco de perder a vida a qualquer momento os coloca em um estado de alerta e tensão eterno.

Apesar de um fechamento pessimista, o que vale no trabalho de Blair, é  a nova proposta para mostrar o terror na cidade do Rio de Janeiro por quem está no meio dele, sem acusações ou estudos maiores sobre a falta de recursos e ajudas governamentais. Cada um, a sua maneira, ajuda a manter a paz nas comunidades, com intenções distintas. As conseqüências são mostradas por Blair em seus minutos finais. O espectador, leva consigo uma mente borbulhando com questões existenciais e sociais.

DANÇANDO COM O DIABO (Dancing with the devil, Inglaterra, 2009) Direção: Jon Blair Roteiro: Jon Blair Elenco: Pastor Dione, Márcio “Tola” da Silva Lima, Juarez “Aranha” da Silva, Leonardo Torres Duração: 105 min

Lukas Moodysson pincela problemas contemporâneos sem criar ou se afundar um dramalhão em Corações em Conflito, filme que mostra a vida moderna como uma faca de dois gumes.  O sentimento guia do filme de Moodysson é a insatisfação e talvez, a insegurança. Insatisfação que todos os humanos contemplam em algum momento da vida: quem trabalha, quer o tédio. Quem vive entediado, quer trabalhar. Quem tem pouco, quer ter muito. Quem tem muito, quer viver de maneira mais simples.

Leo, vivido por Gael Garcia Bernal mostra o lado fácil de enriquecer com pouco trabalho, através da tecnologia e novas dependências dos humanos. Num choque de culturas, Moodysson faz uma espécie de Babel, menos politizado e mais humano. O diretor vai dos Estados Unidos até as Filipinas para mostrar um outro extremo e ligando as realidades através do afeto e com uma bela metáfora através de um elefante. A necessidade de tal sentimento é o laço entre os dois pólos, mas que claramente se ligam através dos interesses financeiros, pois o emocional, é apenas uma forma de se manter empregado, com salário em dia.

Entre crises de insônia e noites exaustivas de trabalho de Ellen, esposa de Leo, vivida pela excelente Michelle Williams, nos perguntamos se é realmente válido e necessário se desgastar tanto para ter uma boa renda, se não tem tempo e saúde para aproveitar a vida e nem ver os filhos crescerem. Nas Filipinas, vemos o lado inverso. Chances são quase nulas e as saídas podem ser radicais. A modernidade por Moodysson é colocada de uma maneira interessante, mas não menos reflexiva e serve como um grande alerta para uma mudança, apesar do lamentável tropeço nos minutos finais.

CORAÇÕES EM CONFLITO (Mammoth, Suécia/Dinamarca/Alemanha, 2009) Direção: Lukas Moodysson Roteiro: Lukas Moodysson Elenco: Gael Garcia Bernal, Michelle Williams, Marife Necesito, Sophie Nyweide Duração: 120 min

No subúrbio inglês, a diretora Andrea Arnold mostra que a influencia direta da mídia pode causar danos irreversíveis, enquanto desconstrói um sentimento claustrofóbico que faz uma clara metáfora com o título do filme. O sentimento vem de Mia, menina de quinze anos que faz as decepções rotineiras evaporarem pelos poros através da dança.

Mia é fruto de um lar disfuncional. Claramente criada pela TV e pela música, ela e sua irmã trocam farpas e xingamentos por motivos banais diariamente. Os valores distorcidos já são aparentes desde o início do filme. Ela se comporta como adulta.  Entre cenas de brigas e uso de drogas, o cinema de Larry Clark é lembrado, mas a comparação se esvairece em poucos minutos. Enquanto as meninas crescem rápido demais, a mãe faz o caminho inverso; faz festa diariamente, não procura as filhas e está mais interessada em garotos. Este amadurecimento de Mia talvez seja um simples instinto para não seguir o exemplo dado em casa, até mesmo para tratar o novo namorado de sua mãe, mas sua imaturidade é exaltada em momentos extremos.

Mia desce a ladeira na busca de uma saída, mesmo que possa parecer errado, o que importa é sair deste aquário, onde ela parece viver numa competição onde o ego é o ponto de largada. Andrea Arnold nos dá a sensação de acompanharmos a história pelas costas da garota, correndo junto com a menina com o exacerbado uso de steady cam e em over shoulder, mas principalmente quando as silhuetas dominam a tela.

A sensação que transparece é que tudo que Mia toca, morre. O sentimento pela família, pelos amigos, os sonhos e até mesmo por um indefeso cavalo, terminam de forma trágica. Quando se depara pela tão almejada vida adulta, ela percebe o quão nova é nessa altura que o aquário pode ter o seu valor ou realmente esquecido. Insegurança essa que a diretora também carrega em si para construir o seu filme quando se estende em detalhes já captados pelo público.

AQUÁRIO (Fish Tank, Inglaterra, 2009) Direção: Andrea Arnold Roteiro: Andrea Arnold Elenco: Katie Jarvis, Kierston Wareing, Michael Fassbender, Harry Treedaway Duração: 123 min

O diretor sérvio Emir Kusturica acerta quando escolhe estudar o lado mais obscuro do maior ídolo argentino, o ex-jogador Diego Armando Maradona. Quando digo “obscuro”, não me refiro aos escândalos envolvendo os vícios e brigas do ex-jogador, mas por tocar em assuntos esquecidos pela mídia e fazer o jogador refletir sobre sua vida numa espécie de análise itinerante.

Seria óbvio demais – mas não menos interessante – fazer um documentário contando a história do jogador com intuito de colocá-lo em uma posição que ele nunca saiu: a de herói. Kusturica compara sua carreira de diretor e métodos de filmagens com o comportamento de Maradona. Seja pelas inseguranças e os prós e contras de ser um documentarista ou através de metáforas, o diretor mostra suas identificações com o seu personagem principal. Segundo o diretor, se Dieguito não fosse um craque dos gramados, seria um grande revolucionário. A sede de justiça e senso político do ex-jogador parece ser o novo guia de sua vida. Ele afirma que pequenos países podem se vingar de tantas injustiças através dos esportes e lembra a incrível vitória da Argentina contra a Inglaterra durante a copa do mundo de 1986, que serve como alvo para Kusturica abrir diversos assuntos sobre a vida do jogador e suas reflexões.

Pela voz-off, Kusturica conta suas conclusões sobre esta figura peculiar que até uma igreja ganhou. O casamento pela igreja “Maradoniana” é surreal. Mesmo com esta forma interessante, o filme dá alguns tropeços por largar cenas avulsas, sem um norte para o público ter como guia, nem posição emocional, nada. As cansativas inserções de animação de Maradona fazendo justiça com os próprios pés também tiram o bom ritmo do filme, que busca apenas mostrar como Maradona é, sem procurar respostas e muito menos motivos para atitudes e escolhas do jogador. Maradona abaixa sua faixa de ídolo para mostrar que é feito de carne e osso, que tem fraquezas e que também erra por escolha própria, sem sensacionalismos maiores.

MARADONA (Maradona by Kusturica, Espanha/França, 2008) Direção: Emir Kusturica Roteiro: Emir Kusturica Elenco: Diego Armando Maradona, Emir Kusturica,  Lucas Fuica  90 min

Na fria e chuvosa Buenos Aires, vemos uma cena comum nas grandes metrópoles: um generoso engarrafamento. Alma está em seu carro, esperando, sozinha e angustiada. Roberto entra desesperadamente no carro, sangrando. A diretora Paula Hernández utiliza a chuva para unir os dois personagens que se não estivessem tão próximos e unidos por uma cobertura, buscando proteção do frio e da chuva, não teriam chances para se conhecer e utilizar a falta de intimidade para se expor, sem utilizar proteções emocionais causados pelo conhecido, pela previsibilidade de um julgamento e um convívio mais calculista.

Se expor para um desconhecido talvez seja conveniente numa situação como essa. A decepção não é a primeira coisa que vem em mente. Os dois podem assim, se ajudar, mutuamente, apesar da insegurança comum que também criado pelo desconhecido. O “desconhecido” aqui ganha status enigmáticos criados por lombadas que por um lado mudam o rumo do longa, mas pontuam um sentimento unânime da população das grandes metrópoles: a solidão e o interesse na vida alheia. Aos poucos deixamos as primeiras impressões causadas por uma apresentação morna dos personagens, para afundar no emocional de Alma e Roberto que infelizmente são embarreirados pela diretora Paula Hernández novamente. Ela nos impede de situar a posição de cada um referente ao problema do outro, expondo apenas o fervor do momento para liberar informações em um momento que ela achou ser oportuno. Separando Alma e Roberto em mundos distintos por conta do exarcebado uso de “plano e contra-plano”, a diretora cria um cansativo ping pong em sua montagem.

Apesar desta forma quadrada para desenvolver o longa, Paula Hernández tem a sutileza na hora de construir o lado psicológico de sua ação, aos poucos convencendo a nós que esta aproximação veio de uma escolha da natureza, como uma chance de recomeço para cada um, mesmo que essa história vire uma grande dicotomia quando a pós-produção os coloca em dois mundos particulares.

CHUVA (Lluvia, Argentina, 2008) Direção: Paula Hernández Roteiro: Paula Hernández Elenco: Ernesto Alterio, Valéria Bertuccelli, Alejo Mango, Matias Umpierrez Duração: 110 min

Inacreditável como somos tão vulneráveis a ponto de deixar um sentimento incrustado dominar nossas vidas. Em Polytechnique, Denis Villeneuve reconstítui os fatos ocorridos em uma faculdade em Montreal, em 1989. De fato não existe um motivo plausível para essa história ser contada a cores. O frio e a constante neve que cai é  conivente à ausência de cores. A vida de um garoto dessa faculdade também é sem cores e dominada pelo rancor. Este que foi crescente conforme a falta de oportunidades para uma volta por cima iam aparecendo.

Para este garoto, a única chance que existe, é no mínimo, ficar do mesmo nível das feministas, que segundo ele, destruíram sua vida. Já é o norte suficiente para questionarmos o radicalismo presente já naquela época. A partir daí, infelizmente, Villeneuve perde a mão e o fio narrativo de seu filme e o que faz é um jogo de gato e rato com a mesma. Enquanto o rancoroso aluno entra na faculdade que mais parece um clube noturno para se vingar das meninas, o diretor ousa em fragmentar a história. A escolha não é acertada, pois ele aproxima e afasta nosso envolvimento com Jean François e Valérie, protagonistas do longa.

Entre os bucólicos takes de uma fria Montreal e o brutal acerto de contas de um jovem rancoroso, o que Villeneuve nos oferece de melhor em Polytechnique é mostrar uma compaixão contrária a toda arbitrariedade deste personagem, que é dominante na narrativa. Infelizmente, o seu resultado é irregular. Talvez pela escolha da ação pelo aspecto físico e não pelo psicológico ou simplesmente por não aproximar os personagens de forma coesa com a platéia.

POLYTECHNIQUE (Idem, Canadá, 2009) Direção: Denis Villeneuve Roteiro: Jacques Davidts Elenco: Sébastien Huberdeau, Karine Vanasse, Maxim Gaudette, Evelyne Brochu Duração: 77 min

Guillermo Ariaga é conhecido pelo seu trabalho em parceria com o diretor mexicano Alejandro Gonzáles Iñárritu. Ariaga assinava os roteiros e Iñarritu os moldava em imagens, rendendo filmes memoráveis como Babel, 21 Gramas e Amores Brutos. The Burning Plain, debut de Ariaga como diretor, é um filme sobre distância. É um filme sobre causa e conseqüência. Infidelidade, traumas, indiferença e a óbvia mudança de valores e guias.

A narrativa é desconstruída em três núcleos, na fronteira dos EUA com o México, com a desculpa conveniente para Ariaga escalar nomes como Charlize Theron e Kim Basinger para atuar com atores desconhecidos de sua terra natal. No deserto entre os dois países, Ariaga une esses núcleos da forma que já conhecemos pelos trabalhos dirigidos por Iñárritu. A ilusão de um labirinto criado pelo texto em alguma hora do filme deixa pistas explícitas para unirmos os núcleos. Ariaga desta vez falha para escrever e dirigir. O roteiro tem lacunas exageradas e resolvidas de forma abrupta.

Novidades não existem em The Burning Plain, mas a forma particular de fragmentar histórias de Ariaga ainda surte efeito de maneira positiva, mesmo que Hollywood tenha saturado essa forma. Na busca por respostas e acordos, os personagens rondam por caminhos obscuros, como um martírio, uma forma de se obter perdão através do sofrimento. Alguns escolhem a apatia, outros escolhem buscar respostas, mas de uma forma ou de outra, o peso criado por escolhas alheias afetam de forma irreversível em suas vidas.

VIDAS QUE SE CRUZAM (The Burning Plain, EUA/Argentina, 2008) Direção: Guillermo Ariaga Roteiro: Guillermo Ariaga Elenco: Charlize Theron, Kim Basinger, Jennifer Lawrence, Joaquim de Almeida Duração: 106 min