O debut diretorial de Afonso Poyart coloca a experiência diante da questão da identidade. Explicitamente apoiado na linguagem de videoclipes e de filmes publicitários, Poyart dá ao seu filme o frenesi do corte e o efeito didático de ilustrações produzidas unicamente para o deleite visual, enquanto a trama – o plano de Edgar (Fernando Alves Pinto) de colocar criminosos e corruptos em colisão –, agarrada a velocidade obrigatória e gerencial dos tempos atuais, consegue mais alarde por sua matéria prima. Afinal, erroneamente, ser rápido significa ser moderno.

Nomes como Zack Snyder (Sucker Punch – Mundo Surreal), Mark Neveldine (Adrenalina), Brian Taylor (Adrenalina), Quentin Tarantino (Bastardos Inglórios) e Guy Ritchie (Sherlock Holmes – O Jogo de Sombras) servem de parâmetro, mas ao contrário de filmes destes diretores, o longa de Poyart tem desenvolvimento em blocos: a narração em off é o único elemento capaz de uní-los. 2 Coelhos acerta ao flertar com o humor – outra tendência “moderna” que dilui a seriedade do tema, posicionam os personagens como antagonistas e se firma como a única proximidade com a identidade nacional.

Este é o maior acerto do filme e possibilita o raio-X dos personagens a partir desta idéia – mesmo que os estereotipando. A narrativa rocambolesca luta para condensar o cotidiano da capital paulista e lembrar que acima da rotina existe uma a teia de corrupção que nos atinge diretamente. Porém, 2 Coelhos não deixa claro ao que veio: o fetichismo visual não é aliado direto da suposta versatilidade do roteiro. Mesmo sendo carro-chefe do filme, ele é motivo de saturação e não de suporte narrativo e  muito menos do panfletarismo sugerido.

2 COELHOS (Idem, Brasil, 2011) Direção: Afonso Poyart Roteiro: Afonso Poyart Elenco: Fernando Alves Pinto, Alessandra Negrini, Caco Ciocler, Marat Descartes Duração: 104 min Distribuição: Imagem Filmes

Mantenha a sanidade e as contas em dia. No clima seco do Distrito Federal, a classe média, assombrada pelo alto poder aquisitivo da capital parece viver em constante estado de pânico. Para traduzir em imagens este sintoma, Mauro Giuntini fragmenta sua história e as separa por nichos que por fim representam e  diagnosticam estilos de vida alternativos em Simples Mortais – um professor de poesia, dois músicos, uma apresentadora de TV. Em comum, todos têm sonhos frustrados que atravessam a barreira financeira.

A pressão do dia-a-dia está no âmago do roteiro de Di Moretti. Síndromes, obsessões e vícios são válvulas de escape para tantas decepções. O casamento falido, a carreira sem futuro, a peça que não leva público, o filho que não virá. Como um pensamento intenso, os personagens de Giuntini não deixam a frustração e refletem a insatisfação em cada vírgula em ações que liberam a perversidade num cenário de castração e ressentimento.

A narrativa, exageradamente fragmentada, é cansativa e em dado momento, enfraquece a potência inicial do filme – restando apenas ao núcleo de Chico Sant’anna e Eduardo Moraes, que vivem pai e filho, respectivamente, honrar a proposta de Giuntini. Ambos são músicos e reféns do fracasso profissional, transparecendo visceralidade num convívio comum, de diálogos leves e em tom cômico.

Simples Mortais cai justamente na idéia de unir seus personagens num espectro pessimista sobre o futuro. Já desgastado, o desenvolver narrativo é previsível quando os conflitos são apresentados lentamente e cessando possibilidades de virada. Ao espectador, cabe assimilá-los à realidade.

SIMPLES MORTAIS (Idem, 2011, Brasil) Direção: Mauro Giutini Roteiro: Di Moretti Elenco: Leonardo Medeiros, Chico Sant’anna, Eduardo Moraes, Narciza Leão Duração: 80 min Distribuição: Plateau Filmes

Da virada da última década para cá, com exceção de Moscou (2009) e Peões (2004), o cinema de Eduardo Coutinho se tornou explicitamente uma via de singularidades. No molde da busca da verdade ao ligar a câmera sem se importar com referências políticas ou sociais e teses de estudo para retratar o ponto ou cidadão comum (como fez em Edifício Master, Jogo de Cena e O Fim e o Princípio), Coutinho usa desta vez em a música para abordar complexidades comuns de relações amorosas.

As Canções exige um olhar paciente. Foge da antropologia para cavar um filme – em certo momento um entrevistado pede para ser dirigido por Coutinho – que aqui desmistifica a música como referência de casos de amor das mais variadas formas; em comum, todos os personagens cultivam frustrações, que se fundem à metodologia usada no filme.

A “intervenção da verdade” tão comum nos filmes de Coutinho continua presente. Aqui, celulares tocando não são motivo para um corte brusco. Muito menos o choro e o longo silêncio durante um depoimento. Um breve desafio para quem se acostumou ao imediatismo televisivo ou do cinema comercial. Aqui, entra a questão da busca pelo documento ou a prova da proximidade à verdade.

Porém, a desenvoltura mostrada por boa parte dos personagens/depoentes não tiram As Canções da ótica de saturação de um método que funcionou por algum tempo e que agora despotencializa suas histórias tão reconhecíveis com a identidade nacional.

AS CANÇÕES (Idem, Brasil, 2011) Direção: Eduardo Coutinho Roteiro: Eduardo Coutinho Duração: 90 min Distribuição: Video Filmes

Já não há nada de novo em dizer que a realidade é mais estranha que a ficção. A complexidade de personagens que a vida tantas vezes nos apresenta podem facilmente parecer obra de um escritor (ou roteirista) sem bom senso para o realismo. É com essa sensação que vamos conhecendo os personagens reais que fazem parte do filme O Céu Sobre os Ombros.

Everlyn é uma transexual formada em psicologia. Para seu mestrado, estuda os diários de um hermafrodita do século 19. Para ganhar a vida, ministra cursos de sexualidade durante o dia e se prostitui durante a noite. Murari é adepto da seita Hare Krishna, trabalha na cozinha de um restaurante vegetariano e participa ativamente da Galoucura, a torcida organizada do Atlético Mineiro. Lwei é um angolano que vive no Brasil. Escritor nunca publicado, tem um filho com problemas mentais e não pensa em levar a vida muito adiante, vivendo uma permanente insatisfação que o faz cogitar a morte constantemente.

Apresentando-se com margens pouco definidas entre o documentário e a ficção, o filme é construído a partir de tempos mortos do cotidiano. Mas o cotidiano dos personagens que o filme retrata passa ao largo de uma normalidade clássica, comum e ordinária. É como se o documental “ficcionalizasse” esse cotidiano e os personagens interpretassem a si mesmos. Mas nesta interpretação – passível, sim, de simulacros – filtram-se muito mais verdades que o simples registro documental.

Fragmentado, incisivo, duro e sem artifícios, o filme se despe de pretensões articuladas para nos entregar um material direto, montado no propósito de revelar a marginalidade na qual seus personagens habitam. Um retrato da realidade que subverte a normalidade daquilo que, embora não pareça, é real.

O resultado é uma experiência íntima e visual que desmascara o universo particular dessas pessoas. Sem julgamentos, conclusões ou afetação. É simples e franco. Dele se subtrai a vida no concreto de vivê-la. Cada um a sua maneira, num limbo como o da ficção, mas com as dores sentidas na inverossímil e concreta realidade.

O CÉU SOBRE OS OMBROS (Idem, Brasil, 2010) Direção: Sérgio Borges Roteiro: Manuela Dias, Sérgio Borges Elenco: Everlyn Barbin, Murari Krishna, Lwei Bakongo Duração: 79 min Distribuição: Vitrine Filmes

O debut diretorial de Tadeu Jungle em Amanhã Nunca Mais consiste numa grande dicotomia existencialista: enquanto aborda implicitamente a insatisfação de Valter (Lázaro Ramos) de manter uma rotina saudável, com tempo para compromissos profissionais e familiares, sua obra é abreviada por uma angústia sem ritmo ao encontro do (anti) heroísmo.

Não existe clareza em qual posição Valter está – submisso às ordens da mulher, da filha e dos colegas de trabalho, ele sofre as consequências no dia do aniversário de sua filha, quando deve levar o bolo da festa que está prestes a terminar. Parece que sempre haverá um espaço a mais para sua paciência, uma espécie de antítese ao reflexo do público. Assim, cabe ao filme de Jungle ser um conto moralista sobre o respeito ao espaço alheio.

Os anseios de Valter canalizam o conformismo que a rotina impõe a qualquer transeunte; para encontrar a paz, ele entende na base da força o que deve ser perdoado ou não. Neste ponto o filme acerta muito bem ao agregar e intercalar esta idéia aos planos fechados no rosto de Lázaro. Não sabemos bem o que Valter simboliza com sua postura: herói ou anti-herói. Mas é possível compará-lo com qualquer um que vaga pelas engarrafadas ruas de São Paulo.

AMANHÃ NUNCA MAIS (Idem, Brasil, 2011) Direção: Tadeu Jungle Roteiro: Marcelo Muller, Tadeu Jungle, Maurício Arruda Elenco: Lázaro Ramos, Maria Luisa Mendonça, Milhem Cortaz, Luis Miranda Duração: 78 min Distribuição: Fox

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Nando Olival (co-diretor de Domésticas) crava o raciocínio lógico sobre as relações nos dias de hoje em Os 3. Como a cartela do filme indica, amizade, paixão, tesão e amor se reúnem, mas dispensam a previsibilidade de uma história sobre um triangulo amoroso como o remetente Três Formas de Amar de Andrew Fleming.

A preocupação maior do diretor é fazer um panorama sobre o que chamamos de moderno: os amigos, que dividem um apartamento após se conhecerem em uma festa, se transformam em objetos ao ligar a rotina deles a um reality show de um site de vendas. Uma clara metáfora ao capitalismo que se amplia à referência ao próprio cinema chamado “comercial” pregado principalmente por George Lucas: o filme não é apenas entretenimento, ele é acompanhado por planos de marketing e outras formas de consumo, como bonecos, camisetas, etc.

Entre as crises do grupo – que seguem uma lógica que poderia destruir o filme se não fosse o tratamento pasteurizado à previsibilidade que ela oferece – e os planos de vendas do site, Os 3 aos poucos aborda o preço que a liberdade de tratar tudo sob uma visão abstrata, sem definições ou rótulos oferece brigando constantemente para se esquivar de alegorias conflituosas,  fugir de estereótipos e se aproximar – mesmo com a idéia de ficção – do cotidiano, do real.

OS 3 (Idem, Brasil, 2011) Direção: Nando Olival Roteiro: Nando Olival, Thiago Dottori Elenco: Juliana Schalch, Gabriel Godoy, Victor Mendes, Sophia Reis Duração: 80 min Distribuição: Warner Bros.

Se existe alguma preocupação no sentido de construção narrativa em O Palhaço ela está no conflito parcialmente físico de Benjamim (Selton Mello) em relação à profissão de palhaço e diretor do circo Esperança. Acompanhamos a estadia da trupe circense por vilarejos do interior de Minas Gerais, onde a submissão ao acaso e contratempos realçam a insatisfação de seu protagonista.

Porém, a sutileza incrustada na narrativa está no conjunto de gags que ilustram a rotina de apresentações e ciladas no qual o grupo entra através das estradas e não por envolvimento com seus personagens. Podemos aí incluir as memórias de infância e inevitáveis comparações à Fellini pela incansável busca por cumplicidade neste grupo cheio de figuras emblemáticas, mas não reconhecíveis. O conflito de Benjamim é silencioso e forçado – com raras exposições envolvendo frases curtas e a materialização dele através da figura de um ventilador e de seu documento de identidade.

Essas gags configuram-se nas participações de grandes nomes do gênero como Moacyr Franco e Ferrugem, dicotômicos sob a ótica da vida – um disposto a brincar com o que é sério, já o outro deseja ser sério dentro de uma brincadeira – e simbolizam bem a questão da vocação profissional e de como ser feliz. O Palhaço acha sua resposta com ajuda dos coadjuvantes representativos e distanciamento de seu protagonista. Mas, como se trata de uma viagem, não importa como você vai chegar. O que importa é desembarcar são e salvo.

O PALHAÇO (Idem, Brasil, 2011) Direção: Selton Mello Roteiro: Selton Mello Elenco: Selton Mello, Paulo José, Renato Macedo, Moacyr Franco Duração: 88 min Distribuição: Imagem Filmes

III SEMANA DOS REALIZADORES

Antes de uma homenagem ao poeta Carlos Drummond de Andrade, citado e exibido em O Gerente, a volta de Paulo Cezar Saraceni ao cinema após dez anos se apresenta como uma obra anárquica às convenções do cinema. Da narradora que “atrapalha” o espaço da ação e interage diretamente com o protagonista Samuel (Ney Latorraca), até a possibilidade de audição da voz do próprio Saraceni na cena que encerra o filme, o diretor insere a história que se passa nos anos cinquenta no contexto atual – apesar de seus personagens e contracenantes estarem a caráter, nada ao redor é maquiado. É possível ver carros, lojas e roupas dos dias atuais sem que isso interfira diretamente no filme. Para Saraceni, o que implica o pensamento de despreocupação nada mais é que um trampolim de questionamentos sobre a liberdade.

Enquanto a história de um gerente de banco que alimenta a tara por mãos femininas ganha a tela, paralelamente e sem altruísmo algum, brotam críticas ao sistema de incentivo a cultura, a pureza de trocas de planos e polimento de imagens e a prisão de gêneros. Em O Gerente é possível alinhar a mise en scene opositora à dramaticidade – deliciosa, por sinal – a troca de lentes de câmera e atemporalidade.

O vigor de O Gerente está nesta idéia de articular as possibilidades que se justificam pelo cinema que, nesse caso, livra-se da nostalgia da época, encontra passado e presente (essencial para o tom fabuloso do filme), faz seu público lembrar-se da presença da câmera e de um diretor, que se proclama dono de um cinema corajoso e vital com uma só frase, dispensando signos e enigmas. Para Saraceni, um nauseante bom humor é o carro chefe de seu filme.

O GERENTE (Idem, Brasil, 2011) Direção: Paulo Cezar Saraceni Roteiro: Paulo Cezar Saraceni Elenco: Ney Latorraca, Joana Fomm, Letícia Spiller, Nelson Xavier Duração: 81 min

]]> http://www.cinemaorama.com/2011/10/critica-o-gerente/feed/ 0 http://www.cinemaorama.com/2011/10/critica-as-horas-vulgures/ http://www.cinemaorama.com/2011/10/critica-as-horas-vulgures/#comments Fri, 28 Oct 2011 16:49:51 +0000 Pedro Tavares http://www.cinemaorama.com/?p=7860 Leia mais]]> III SEMANA DOS REALIZADORES

No vai-e-vem das noites vazias de Vitória, um grupo de amigos protegidos por um senso de comunidade representado pela casa de uma menina dependente de companhia mudam perspectivas e óticas comuns ao tornar o externo como meio exclusivo para mudança do âmago de cada um deles.  Baseado no romance O Reino dos Medas de Reinaldo Santos Neves, As Horas Vulgares faz do abstrato uma troca de experiências e angústias que reúnem o amor e memórias tem um só ponto em comum: a morte.

A câmera estática de Rodrigo de Oliveira e Vitor Graize privilegia a verborragia à mise en scene. Cada um deles mostra uma relação diferente com o que chamam de realidade. Esta mesma idéia utópica tem reflexos na direção – o mundo introspectivo de seus personagens ganha roupagem delicada, trilha sonora de jazz, o polimento das imagens, a escolha dos planos que desprezam a arquitetura da cidade.

Entre devaneios que deliberam os personagens do que é “real”, Oliveira e Graize prolongam a duração de As Horas Vulgares, quando, enfim realizam a tão encenada morte. Neste momento, prestes a saturação, o longa sintetiza suas intenções: com a voz off, uma representação, na imagem, outra. A conclusão, sensata e melancólica. O afeto parece ser a única via que mantém a sensatez acesa.

AS HORAS VULGARES (Idem, Brasil, 2011) Direção: Rodrigo de Oliveira e Vitor Graize Roteiro: Rodrigo de Oliveira e Vitor Graize Elenco: João Gabriel Vasconcelos, Rômulo Braga, Raphael Sil, Julia Lund Duração: 123 min

Já não há nada de novo em dizer que a realidade é mais estranha que a ficção. A complexidade de personagens que a vida tantas vezes nos apresenta podem facilmente parecer obra de um escritor (ou roteirista) sem bom senso para o realismo. É com essa sensação que vamos conhecendo os personagens reais que fazem parte do filme O Céu Sobre os Ombros.

Everlyn é uma transexual formada em psicologia. Para seu mestrado, estuda os diários de um hermafrodita do século 19. Para ganhar a vida, ministra cursos de sexualidade durante o dia e se prostitui durante a noite. Murari é adepto da seita Hare Krishna, trabalha na cozinha de um restaurante vegetariano e participa ativamente da Galoucura, a torcida organizada do Atlético Mineiro. Lwei é um angolano que vive no Brasil. Escritor nunca publicado, tem um filho com problemas mentais e não pensa em levar a vida muito adiante, vivendo uma permanente insatisfação que o faz cogitar a morte constantemente.

Apresentando-se com margens pouco definidas entre o documentário e a ficção, o filme é construído a partir de tempos mortos do cotidiano. Mas o cotidiano dos personagens que o filme retrata passa ao largo de uma normalidade clássica, comum e ordinária. É como se o documental “ficcionalizasse” esse cotidiano e os personagens interpretassem a si mesmos. Mas nesta interpretação – passível, sim, de simulacros – filtram-se muito mais verdades que o simples registro documental.

Fragmentado, incisivo, duro e sem artifícios, o filme se despe de pretensões articuladas para nos entregar um material direto, montado no propósito de revelar a marginalidade na qual seus personagens habitam. Um retrato da realidade que subverte a normalidade daquilo que, embora não pareça, é real.

O resultado é uma experiência íntima e visual que desmascara o universo particular dessas pessoas. Sem julgamentos, conclusões ou afetação. É simples e franco. Dele se subtrai a vida no concreto de vivê-la. Cada um a sua maneira, num limbo como o da ficção, mas com as dores sentidas na inverossímil e concreta realidade.

O CÉU SOBRE OS OMBROS (Idem, Brasil, 2010) Direção: Sérgio Borges Roteiro: Manuela Dias, Sérgio Borges Elenco: Everlyn Barbin, Murari Krishna, Lwei Bakongo Duração: 79 min Distribuição: Vitrine Filmes