Em seu segundo filme, Petrus Cariry já coleciona prêmios. O mais recente, do festival de cinema do Uruguai por Mãe e Filha, obra-prima remetente aos filmes de Aleksandr Sokurov e Béla Tarr. O filme entra em cartaz nesta sexta-feira (18) via Lume Filmes. O Cinemaorama bateu um papo com o diretor.

01) As locações de “Mãe e Filha” surgiram das filmagens do curta “Dos Restos e das Solidões”.  Qual foi a influência destas locações na produção do roteiro do filme?

A cidade de Cococi teve uma influencia muito grande na forma como escrevi esse roteiro em parceria com o Firmino Holanda e o Rosemberg Cariry. Eu já conhecia bem as locações por conta do curta “Dos restos e das Solidões”. A partir de várias discursões sobre o argumento original, chegamos à forma final do roteiro de “Mãe e Filha”, um filme que versa sobre a morte e sobre o fim das coisas. Hoje eu posso afirmar que o filme não teria a mesma força se não tivesse sido feito em Cococi, uma cidade fantasma real que chegou ao fim e que teve uma história feita de violência e sangue.

02) O isolamento vindo daquela cidade fantasma cria uma relação metafórica e igualmente direta com a morte. A cidade é o complemento do simbolismo que “Mãe e Filha” carrega?

As próprias ruínas já indicam a impermanência das coisas, o fim. A Mãe espera um marido que partiu há dezenas de anos. A Mãe projeta no neto morto todos os seus amores, esperanças e desejos que foram amputados pela vida. O conflito entre a Mãe e a Filha se dá porque uma quer que o “morto” viva novamente, e a outra quer que o “morto” seja enterrado e esquecido, para que a vida siga o seu ciclo natural e cósmico. As ruínas da cidade, nas lonjuras do sertão, são também habitadas por fantasmas ancestrais, que são as sombras da alma.

03) O longa é absolutamente sensorial. Como foi o processo de pós-produção para amplificar esta idéia?

Eu sempre dei uma atenção muito grande para os aspectos técnicos da pós-produção, mas no caso do filme “Mãe e Filha” eu fiz pessoalmente um trabalho de correção de cor, para realçar a fotografia que eu queria, que seria a diminuição da saturação, com aumento dos tons cinzas e o aumento do contraste das zonas escuras. Mas o grande desafio que tivemos foi no som (edição, mixagem e desenho de som), foram meses de trabalho exaustivo e muita pesquisa em busca do “clima sensorial” que era exigido pela película. O meu grande parceiro neste trabalho foi o Érico Paiva (Sapão) que fez a engenharia de áudio e contribui-o de forma decisiva nas questões criativas.

04) “Mãe e Filha” tem um embate direto com a dimensão do tempo. Em dias tão urgentes no qual a vida passa com muita velocidade, como o fascínio por tal consumação se dá no roteiro?

O uso dos tempos distendidos e da contemplação, não me diz muita coisa, se não houver o intuito de se narrar uma estória. A minha relação com o tempo no “Mãe e Filha”  é justamente buscar criar uma atmosfera de imersão e uma sensação real que o tempo escorre pela tela. O dispositivo narrativo não pode ser dissociado do conteúdo, ou melhor, até pode para poder gerar fissões.

05) Você acredita que o cinema nacional passa por um processo de “indiscriminilização” ou o aumento  de venda de ingressos de filmes brasileiros apetecem apenas os filmes de divulgação em massa?

Da minha parte não existe uma negação do cinema “blockbuster” exibido nos grandes circuitos brasileiros. Porém, é preciso que esse tipo de “cinema” não seja tão sufocante que impeça o realizador que busca um cinema mais autoral, de conseguir rodar e distribuir o seu filme com um mínimo de dignidade.

06) “Mãe e Filha” ganhou prêmios internacionais também. Existe previsão de distribuição internacional?

Recentemente ganhamos o prêmio de “Melhor Filme” no Festival Internacional de Cinema do Uruguay e isso é bom, porque de certa forma temos mais visibilidade para o filme. Existem várias propostas de distribuição que estão sendo analisadas, inclusive em países da América do Sul, como Argentina e Uruguai. Temos planos também para distribuir na Europa, principalmente em Bluray e DVD, vamos à luta.

Leia a crítica de MÃE E FILHA

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Um exercício contemplativo intercedido por representações enigmáticas e metáforas. Mãe e Filha expurga da relação distante de duas mulheres a dor do passado, a ambigüidade do presente e o ilusionismo do futuro no silencioso sertão do Ceará. As memórias ganham vida e se transformam em pesadelo e alívio com a mudança de ótica de cada personagem.

Dirigido por Petrus Cariry (O Grão), Mãe e Filha se atém à ambigüidade quando desconstrói a pureza de vida e morte e sua carga espiritual amplificada pelas ruínas das locações e a beleza da natural que envolve este silencioso caos emocional regido por um tempo abstrato, que não se tem certeza que acontecera. A distância física (capital/sertão) e filosófica (vida/morte e passado/futuro) posiciona a relação de duas mulheres à margem do amor fraterno.

Instigante, o longa de Cariry aborda mundos distintos; aqui, o impacto simbolizado por uma criança leva ao desnorteamento pelo lado inesperado. A filha, sã, resolve então tornar a realidade mais forte numa das cenas mais bonitas do filme. Mas aprende que sem a fantasia (ou espiritualidade) nada tem sentido.

MÃE E FILHA (Idem, Brasil, 2011) Direção: Petrus Cariry Roteiro: Petrus Cariry, Firmino Holanda, Rosemberg Cariry Elenco: Zezita Matos, Juliana Carvalho Duração: 82 min Distribuição: Lume Filmes

Por Rodrigo Giordano

Uma Longa Viagem é uma história extremamente pessoal, na qual, Lúcia Murat busca reviver as próprias experiências e a de seus dois irmãos, Heitor e Miguel, durante os anos de chumbo, expondo os diferentes caminhos seguidos por eles, principalmente os dela e de Heitor. O filme é dedicado a Miguel, cuja morte impulsionou a realização do longa.

Para que seu filho mais novo não seguisse os passos da irmã e participasse da luta armada, a mãe dos protagonistas o envia para Londres. É aí que se inicia a história de andarilho de Heitor, que não conseguirá mais estabelecer-se em lugar algum, formando uma relação antitética com sua irmã quanto ao descontentamento com o sistema repressor: enquanto Lúcia permanece no Brasil como presa política, seu irmão move-se incessantemente pelo mundo, experimentando todos os tipos de entorpecentes que suas andanças permitem. Dessa relação nasce algo do que há de mais valoroso no filme, pois Lúcia Murat não emprega um juízo de valor nas distintas escolhas feitas por ela e seu irmão, pelo contrário, as trata como o que são: posicionamentos pessoais diante de um momento político extremamente conturbado.

No entanto, Uma Longa Viagem é um filme dividido em três, intercalando-se imagens de arquivo com narrações da diretora, entrevista da mesma com Heitor e encenações de Caio Blat (interpretando o irmão mais novo). É esta última que faz desandar o documentário de Lúcia Murat; não por incompetência do ator, mas porque essas cenas deslocam a interessante premissa acima exposta.

Caio declama as cartas enviadas por Heitor à sua família, olhando para a câmera e interagindo com uma projeção de lugares pelos quais o irmão da diretora passou em suas viagens. Isso faz com que a parte pretensamente ficcional do filme seja marcada por uma interpretação realista, verossímil, o que fica evidente em uma cena em que a tela é dividida em dois e ouvimos a mesma história sendo contada pelo ator e pelo irmão mais novo, sendo que, ao final, Caio faz exatamente o mesmo gesto de quem interpreta.

A diretora parece não perceber que a força de Uma Longa Viagem está exatamente nas entrevistas de Heitor, um sujeito carismático, espontâneo, que consegue construir uma forte ligação com o espectador. A conexão entre história real e história encenada torna-se frágil, deixando a aparência de que a participação de Caio Blat no longa é apenas um artifício vazio de linguagem, como se a diretora não quisesse fazer mais um documentário apenas com imagens de arquivo e entrevistas (muito recorrente nos documentários dos últimos vinte anos). Ótima intenção, péssima execução.

UMA LONGA VIAGEM (Idem, Brasil, 2011) Direção: Lucia Murat Roteiro: Lucia Murat Elenco: Caio Blat Duração: 97 min Distribuição: Vitrine Filmes

Adulterar a realidade não é dos mais novos hábitos da sociedade. A visão glamourosa dada às viagens lisérgicas através da literatura e música nos anos 60 em especial alinhavam estética e existência. Não é o caso de Paraíso Artificiais, debut de Marcos Prado na direção de ficções: seu filme carece de expressão das mais variadas formas.

Em Paraísos Artificiais a estética é fetiche: o horizonte de neon, os corpos definidos, a bagunça de um apartamento da zona sul carioca ou a beleza de Amsterdam compõem um deleite visual que não tem a mesma freqüência da história de desencontros que guia a narrativa apoiada no uso e tráfico de drogas sintéticas ligado diretamente a estereótipos.

A visão do consumidor de drogas na cena de música eletrônica nascida nos anos 90 na Europa – que teve reflexos em raves em locais desertos no Brasil – em poucos momentos equivale consciência à ação do filme. O drama é o cerne da história e por vezes tem o desfoque de causa e conseqüência, sem simbologias ou metáforas. Tudo é direto e reto. Ou rápido e raso. Paraísos Artificiais se sustenta pela montagem, onde flashbacks impõem o choque à história e, claro, ao espectador. Basta saber quais foram pegos pela previsibilidade.

PARAÍSOS ARTIFICIAIS (Idem, Brasil, 2012) Direção: Marcos Prado Roteiro: Cristiano Gualda, Pablo Padilla, Marcos Prado Elenco: Nathalia Dill, Luca Bianchi, Lívia de Bueno, Cadu Fávero Duração: 96 min Distribuição: Nossa/Rio Filme

Em Girimunho, a câmera de Helvécio Marins Jr. e Clarissa Campolina é observadora, coadjuvante e expositiva. As locações se transformam lentamente em um personagem fundamental – ser o local, pertencer a ele e tê-lo como sua extensão. O tom documental amplifica a abordagem poética desta jornada espiritual sobre vida e morte.

O cotidiano de Batsu (a excelente Maria Sebastiana) é a estrutura para Marins e Campolina traçarem limites ao luto e a sanidade de sua protagonista; Girimunho ganha traços oníricos enquanto iguala o cinema aos sonhos e a multiplicidade da imaginação em devaneios e expurgação das mais variadas formas.

Fé, saudade, identidade e religião se confundem nas ruas de São Romão, interior de Minas Gerais. Espanta a verossimilhança aos impulsos que chamamos de realidade ou o que acontece quando as câmeras se desligam. Girimunho tem a leveza de um breve momento de paz e contemplação com a força de uma indagação sobre o sentido de ser em forma poética, sem cartilhas, apenas instinto.

GIRIMUNHO (Idem, Brasil, 2011) Direção: Helvécio Marins Jr., Clarissa Campolina Roteiro: Felipe Bragança Elenco: Maria Sebastiana, Martina Álvaro, Maria da Conceição Gomes de Moura, Wanderson Soares Duração: 90 min Distribuição: Vitrine Filmes

Em seu campo imutável regido pelas lembranças e associações à identidade nacional, Edgard Navarro (O Super Outro, Eu Me Lembro) faz de O Homem que Não Dormia o foco místico deste amplo e curioso estudo.

Navarro utiliza um pequeno vilarejo do interior para analisar seus personagens como “não-pessoas” e sim como parte (ou peças) da massa – que alimentam diversos preceitos de credo e ampliam a ótica humanista sem a necessidade proximidade. Lendas urbanas e folclore unem-se ao humor agridoce para construir uma obra subversiva funcional graças aos eixos diversos como a censura e alienação diluídos na figura que batiza o filme.

O Homem que Não Dormia não possui definições de discurso (apesar de claros momentos de deboche) – abordar o assunto e suas multiplicidades tão complexas através da simplicidade de cidadãos interioranos é o suficiente para Navarro seguir o  panorama de seus últimos filmes.

O HOMEM QUE NÃO DORMIA (Idem, Brasil, 2011) Direção: Edgard Navarro Roteiro: Edgard Navarro Elenco: Bertrand Duarte, Ramon Vane, Fabio Vidal, Evelin Buchegger Duração: 93 min Distribuição: Pandora Filmes

Dicotômica como seu título, a nova parceria entre Beto Brant e o escritor e roteirista Marçal Aquino parece uma avalanche de pessimismo mesmo com possibilidades de fuga e recomeço para Lavínia (Camila Pitanga em entrega surpreendente), ex-garota de programa que acompanha seu namorado e  pastor Ernani (Zé Carlos Machado) em missão no Pará enquanto mantém relação extraconjugal com o fotógrafo Cauby (Gustavo Machado). Eu Receberia as Piores Notícias dos seus Lindos Lábios sustenta-se pelos diálogos de via dupla e fragmentos e se configura como uma partilha de reações viscerais.

Da comparação do culto evangélico ao circo à instabilidade de todos os personagens, a adaptação do conto do próprio Aquino declara-se a rendição; de uma forma ou outra, lentamente, é possível desconstruir os personagens entre cansativo balé de fades. Atrás da verborragia, dos surtos e das citações poéticas, nada mais existe além da vontade de entrega – de deixar-se levar pela correnteza; pelas piores notícias.

Caótico como a idéia do fim (dos tempos, de uma relação ou da vida), o filme de Beto Brant é a ilustração deste raciocínio. O flerte com o lamento, a idéia de continuidade, o luto e a banalidade no sentido da vida, que pode render seqüelas irreversíveis.

EU RECEBERIA AS PIORES NOTÍCIAS DOS SEUS LINDOS LÁBIOS (Idem, Brasil, 2011) Direção: Beto Brant, Renato Ciasca Roteiro: Marçal Aquino, Beto Brant, Renato Ciasca Elenco: Camila Pitanga, Zé Carlos Machado, Gustavo Machado, Gero Camilo Duração: 100 min Distribuição: Sony Pictures

A escassez de lucidez na apropriação de um gênero transforma Área Q, dirigido por Gerson Sanginitto (Beyond the Ring), num diálogo direto com a superfície regida unicamente por elementos de pós-produção, principalmente pela trilha sonora que dita o intuito de cada sequência.

Moldado pela afetação de uma metodologia desconhecida em termos de atuação, o filme aborda em via única o ponto bíblico na relação humanos/extraterrestres. A investigação mumblecore tem articulações pelo sumiço do filho de Thomas Mathews (Isaiah Washington), jornalista desolado e de surpreendente postura heróica para produzir uma matéria sobre eventos sobrenaturais no Brasil, onde o protagonista faz antes de mais nada um estudo antropológico com a velocidade de uma reportagem televisiva.

Para Área Q falta a compreensão dos códigos necessários para desenvolver  o senso de unidade entre gênero, filosofia, subjetividade e narrativa e  criar ambiente, dar vida aos personagens e integrar o espectador à experiência, colocando-o em crise ou em identificação instantânea.

ÁREA Q (Area Q, Brasil/EUA, 2011) Direção: Gerson Sanginitto Roteiro: Gerson Sanginitto Elenco: Isaiah Washington, Murilo Rosa, Tânia Khalil, Leslie Lewis Duração: 100 min Distribuição: Califórnia Filmes

Em tom épico, Xingu sinaliza a forma abstrata na saga dos irmãos Villas-Boas, responsáveis pela conquista do espaço do parque nacional do Xingu (Mato Grosso), onde mais de 5.500 índios vivem até hoje sem a interferência de culturas estrangeiras.

Da busca pela liberdade do território urbano até o natural engajamento, Cao Hamburger (O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias) uma relação turva com a posição heróica numa história sobre descobertas, acima de tudo.

O grande pulo do filme é o véu que indica a fixação dos irmãos pelo silencioso desencargo de consciência – colocá-los na tênue linha entre o heroísmo e o antagonismo dá a noção de que doenças, armas de fogo e a mudança de hábito, antes da intervenção do governo brasileiro, começou com os próprios Villas-Boas, que entraram nas aldeias através de uma expedição.

O extermínio da identidade dos índios dá ao filme potencial dramático ligado a remorsos, manifestações políticas e corrupção, como um diagnóstico atual do país, amplificado para as minorias em diversas esferas que assim como o filme têm inúmeros tópicos a se discutir, porém, filmes são limitados pela duração e o desfoque obrigaria à direção a mudança de tom, de assunto e até de personagens. O ciclo não está completo, mas trata-se de uma bela introdução.

XINGU (Idem, Brasil, 2012) Direção: Cao Hamburger Roteiro: Cao Hamburger, Helena Soarez, Anna Muylaert Elenco: João Miguel, Felipe Camargo, Caio Blat, Maria Flor Duração: 102 min Distribuição: Downtown/Rio Filme

Inventivo,  de postura cínica e subversiva às funções básicas do cinema, Rogério Sganzerla (1946-2004) não poupou ninguém de seus manifestos a favor da expansão das produções cinematográficas e seu alcance, contrariando a divisão do cinema para massas e para os intelectuais.

Da influência e admiração por Orson Welles, Jean Luc Godard e José Mojica Marins no cinema até Noel Rosa e Jimi Hendrix na música, Sganzerla – sempre verborrágico – seguia a criatividade; com Helena Ignez mudou o modus operandi da mise en scène. Pela montagem, criou o caos e contrariou a logística do uso do som no cinema.

Neste ensaio em primeira pessoa composto basicamente por imagens de arquivo em som off, Joel Pizzini constrói a essência da obra do diretor. Do inconformismo – representado diversas vezes por Sganzerla ressentido pela fuga do país em 1970 e pelo caminho comercial tomado pelo cinema – às atitudes como a criação da produtora Belair e a resolução ilustrativa de It’s all True, filme não terminado de Orson Welles em O Signo do Caos (2005), Mr. Sganzerla perfila a cartilha de filmes-tributo para entronizar a natureza de um artista a favor da subversão.

MR. SGANZERLA (Idem, Brasil, 2011) Direção: Joel Pizzini Roteiro: Joel Pizzini Duração: 96 min