Baseado no livro The Help de Kathryn Stockett, Histórias Cruzadas pauta a profetização da era de mudanças nos EUA; o sonho americano vivia o ápice de sua antítese e como reflexo, a intolerância deitava-se sobre a liberdade. A postura hipócrita das famílias do subúrbio de Mississipi cultuava certa inocência para maquiar a crueldade ao tratar diferenças raciais.

O longa dirigido por Tate Taylor foca o processo de produção do livro, aqui escrito por Eugenia Skeeter (Emma Stone) em parceria com uma dúzia de domésticas vítimas de maus tratos transformadas em caridade através da ilusão que o tempo cultuava. Era o tempo em que produtos representavam a salvação e a liberdade; esta inversão de valores que refletem traumas até hoje discutidos por diretores que focam o subúrbio americano como pilar narrativo à exemplo de Todd Solondz e John Waters.

Histórias Cruzadas garante uma boa trama, elenco afinado, direção que sugere a composição de passado (escravidão) e futuro (o fim da era Kennedy, os panteras negras e revolução feminista) sem utilizar elipses; o ego de seus antagonistas serve como previsível fim para um conto moral necessário.

Se por um lado as idéias de Taylor funcionam bem como suporte político, o filme ganha dormência pelo exagero da idéia de melodrama; tudo ganha um suposto refinamento passional, doloroso. A atraente postura libertária que o filme ameaçava adotar às personagens é deixada de lado rapidamente para simplesmente tornar-se acessível. Afinal, lágrimas vendem bem mais que o suor. Novamente, a antítese do sonho americano.

HISTÓRIAS CRUZADAS (The Help, EUA, 2011) Direção: Tate Taylor Roteiro: Tate Taylor, Kathryn Stockett Elenco: Emma Stone, Viola Davis, Octavia Spencer, Bryce Dallas Howard Duração: 140 min Distribuição: Disney

Nas concepções defendidas por André Bazin ao longo de sua vida, a maioria delas eram sistemáticas. Ou seja, ao mesmo tem em que detinham de algumas falhas também apresentavam uma importante compensação, por conta de sua sensibilidade como espectador e pelas qualidades de crítico de cinema, já que a riqueza e originalidade presentes em seus textos não o impediram de uma solidez maior que seus próprios pensamentos.

Bazin ficou conhecido por deter de um estilo de ideias onde o próprio ressaltava sua admiração pelas técnicas realistas, que de certa forma respeitavam a “ambiguidade ontológica da realidade”, o plano sequência e a profundidade de campo. Nos filmes de propaganda, estas técnicas – propriamente ditas – não eram – necessariamente – os recursos utilizados. Ou seja, esses filmes que analisavam acontecimentos e os quais André se opunha, possuíam uma decomposição de uma ação ou de um acontecimento em vários planos, pois de certa forma, isso implicaria em seguir no sentido contrário ao “seu” cinema realista.

André é bastante claro no que se entende por realidade. O cinema é a arte da realidade espacial, pois se distingui em registrar os objetos na sua própria espacialidade (Bazin fora o primeiro crítico a abalar o fulgor Formalista), defendendo com grande convicção um cinema realista cujos fundamentos podemos encontrar, essencialmente, em três de seus textos: Ontologia da imagem fotográfica – texto fundador e essencial que expõe a fotografia e o cinema como meios que registram mecanicamente o mundo sem a intervenção direta do Homem. O mito do cinema total – o cinema é entendido como o resultado de um desejo e necessidade de uma arte duplicada a realidade. E por fim, Montagem interdita – encontramos uma rejeição da montagem, pois esta favorece a representação imaginária e contrária à (verdadeira) natureza do cinema.

Mesmo apresentando diferentes concepções nos (três) textos mencionados, Bazin vai além, demonstrando até uma visão mais radical: “Quando o essencial de um acontecimento está dependente da presença simultânea de dois ou vários fatores da ação, a montagem é interdita”. Ou seja, Bazin é bastante categórico na “lei” que cria, porém, é menos em sua aplicação. “É sem dúvida mais difícil definir a priori dos gêneros de assunto ou mesmo as circunstâncias a que se aplica esta lei.” A“lei” mencionada, em suma, não é somente um ganho ou mesmo um progresso cinematográfico, pois isso afeta – de certa forma – a relação do espectador com a imagem, porém, implica em uma atitude mental mais ativa por parte do espectador e, sobretudo, a montagem que passa a dar lugar a profundidade de campo.

As técnicas de transparência colocam em primeiro lugar a realidade do acontecimento, evitando a representação imaginária sob o uso da montagem na narrativa, de modo a fazer com que a mesma encontre a realidade em um dos seus planos convenientemente escolhido. A aplicação da “lei” evita a representação imaginária, favorecendo a vocação realista do cinema. Ou seja, o maior inimigo do cinema, para este caso em específico, é a (própria) montagem (…). Além disso, Bazin também teria formulado uma proposta não apenas realista, mas ético-realista para o cinema. Indo mais longe, na sua Teoria Realista que não está somente a serviço da CAUSA mais no DEVER do cinema. Assim, dessa forma, poderemos avançar no realismo proposto por Bazin, sustentado por um caráter ontológico onde as ações são avaliadas, tendo em conta as normas que estabelecem as possíveis obrigações.

Em resumo, tendo como interesse maior a breve verificação do posicionamento do teórico sobre o documentário, podemos dizer que o realismo contido no filme documentário, a sua principal proposta, não está na realidade, fidelidade ou autenticidade, mas na sua ética, verossimilhança na sua representação.

Por Leonardo Freitas

Dirigido por Philippe Le Guay e escrito por ele e Jérôme Tonnerre, o filme é uma declaração de amor da França à Espanha em plenos anos 60. Em um prédio de Paris, convivem sem maiores problemas diversos moradores das classes alta e baixa. Na ala rica, está o conservador casal francês Joupert, formado por Jean Louis (Fabrice Luchini, de Potiche – Esposa Troféu) e Suzanne (Sandrine Kiberlain) que, após a demissão da empregada e governanta, precisa contratar outra pessoa para cuidar do requintado apartamento.

A partir daí, dá-se o encontro da família com Maria (Natalia Verbeke), uma jovem e doce espanhola que, com a ajuda da tia Concepcion (Carmen Maura), consegue o emprego para permanecer na França. Fugidas da Guerra Civil Espanhol da ditadura de Franco, moram com elas mais 4 mulheres, todas espanholas, no sexto andar citado no título.

Com personalidade cativante, Maria conquista os Joupert, especialmente o patrão, que começa a enxergar a moça com outros olhos. A partir daí, a relação entre as espanholas-empregadas e franceses-empregadores ganha contornos repleto de humor, delicadeza, em um filme despretensioso que funciona.

Por meio do grupo de atores de extrema competência e diálogos inteligentes e rápidos, As Mulheres do Sexto Andar, falado em espanhol e francês mostra, de forma inteligente, o encontro de personagens a princípio tão diferentes que, no convívio diário, descobrem-se mais parecidos do que sonha nossa mesquinha filosofia.

E neste caldeirão de costumes, culinária e religião, são nas personagens latinas que o filme ganha suas melhores cenas. Do bom humor e espontaneidade da dupla Pilar (Concha Galán) e Dolores (Berta Ojea), passando pela politizada Carmen (Lola Dueñas, também estrela de alguns filmes de Almodóvar) e terminando em Teresa (Nuria Solé), cujo grande sonho é arranjar um marido, o longa rende momentos divertidos que nos fazem refletir.

Toda essa diferença de classes ganha contornos ainda mais profundos com a mudança repentina de Jean Louis para o sexto andar, convivendo ainda mais com o sexteto espanhol. E neste retrato da relação entre patrões e empregados, observamos o outro lado da moeda, quando os empregados ficam receosos diante da classe alta. Sincero e direto ao ponto, diga-se de passagem.

Tratando da rigidez imposta por uma sociedade, religião e família rígidos e conservadores (o melhor exemplo é o casal de filhos dos Joupert que, de volta do internato, agem com postura robótica militar), As Mulheres do Sexto Andar abraça o tema “despertar para a vida” sem sensacionalismo, com delicadeza, sinceridade e, claro, muito humor, bem à moda latina em um filme francês que merece ser conferido.

AS MULHERES DO SEXTO ANDAR (Les Femmes Du 6ème Étage, França, 2011)  Direção: Phillipe Le Guay Roteiro: Jérôme Tonnerre Elenco: Fabrice Luchini, Sandrine Kiberlain, Natalia Verbeke, Carmen Maura Duração: 106 min Distribuição: Vinny Filmes

Quando redenção e lutas dividem a narrativa, a referência automática a Rocky – Um Lutador estará lá sempre para fazer sombra. Não é por menos que o filme vencedor do Oscar de 1977 é citado durante o primeiro ato de Guerreiro. Ao contrário do apogeu de Sylvester Stallone, o filme dirigido por Gavin O´Connor amplifica a volta por cima de dois lutadores e de um treinador, que formam uma família.

Paddy Conlon, o pai, convertido ao cristianismo e livre do alcoolismo ainda carrega o peso do passado; Brendan (Joel Edgerton) é um professor falido e Tommy (Tom Hardy) voltou do Iraque cheio de traumas. Em comum, os irmãos têm a paixão pela luta, assuntos mal resolvidos e o desprezo pelo pai.

Guerreiro é um filme de narrativa regressiva, como qualquer outro filme que envolva lutas. Afinal, é no ringue que tudo será resolvido. Assim, cabe a técnica e a excelência com o que O´Connor comanda seu elenco, principalmente Nick Nolte, que vive Paddy e de longe é o ponto alto do filme.

O campeonato, batizado de Sparta e que coloca o reinicio da carreira e da vida dos três em cheque, ainda que de forma torpe, dura 50 minutos dentro do filme. Claro desprezo com a idéia de desenvolvimento narrativo e montagem. O prestígio de Tommy e a fraqueza de Brendan tornam-se armadilhas para a história; posturas caricatas e claros remendos narrativos com personagens secundários enfraquecem em muito o filme. Se cabe a nós notar algo de positivo no filme, que seja a fidelidade com o esporte – o MMA, no caso, a estrondosa atuação de Nick Nolte e o esforço de Tom Hardy.

GUERREIRO (Warrior, EUA, 2011) Direção: Gavin O´Connor Roteiro: Gavin O´Connor, Cliff Dorman, Anthony Tambakis Elenco: Joel Edgerton, Tom Hardy, Nick Nolte, Jennifer Morrison Duração: 140 min Distribuição: Imagem Filmes

J. Edgar, novo trabalho de Clint Eastwood na direção, é um filme amargo. Não há pompas e grandiloquências no retrato que Clint traça do homem que praticamente fundou o FBI (Federal Bureau of Investigation) e o administrou por 48 anos. Mas há força. A força de um homem implacável, determinado, e ao mesmo tempo frágil. Mas de uma fragilidade oblíqua, jamais a incapacitá-lo de fazer o que achava que devia fazer.

O FBI é a mais organizada e exemplar polícia do mundo. Subordinada ao Departamento de Justiça americano, foi criada em 1935, quando J. Edgar Hoover dirigia o braço do departamento responsável pela investigação de crimes federais. Eram os anos do crime nos EUA, a década da depressão, da lei seca e de criminosos que exerciam grande fascínio na população, desalentada com as instituições oficiais.

Um tempo em que nomes como John Dillinger, Pretty Boy Floyd, Kate “Ma” Barker, Alvin “Creepy” Karpis, George “Machine Gun” Kelly e Baby Face Nelson tinham seus feitos noticiados, e não raramente aumentados, pelos jornais. Todos eles foram presos ou mortos pelo FBI sob o comando de Hoover.

No filme, sua história é construída em flashback. Leonardo Di Caprio, sob uma convincente maquiagem de envelhecimento, interpreta J. Edgar. Ele começa a ditar sua autobiografia para agentes escolhidos a dedo para a tarefa de registrarem seu legado. Quer contar a história do FBI e sua própria história. Entre relatos e lembranças (nem todas ditadas), regressa até o ano de 1919, quando era um jovem agente do Departamento de Justiça designado para investigar atentados comunistas contra membros do departamento.

Já em suas falas iniciais, na voz off que abre o filme, demarca seu terreno ideológico; patriotismo inflexível e uma irremovível aversão à desordem, ao comunismo e a qualquer ideal liberal que, no seu julgamento, ameace a integridade e o caráter dos Estados Unidos da América. Esta será a coerência de sua vida, pela qual fará o que for preciso para manter seu país seguro. Metódico e minucioso, deve-se a Hoover o uso da ciência na investigação criminal, usada hoje por polícias do mundo todo.

É nesses termos que Clint desenha Hoover, mas constrói esse mito dentro de uma amarga permanência no poder. Essa amargura não surge como consequência desse poder ou de suas ações, nem de uma solidão inerente à função, mas de uma característica própria do homem cujo histórico guarda um amplo leque de chantagens e perseguições. O poderoso diretor do FBI que se sustentou no poder “atravessando” oito presidentes. Sua amargura vem dessa permanência, sustentada por chantagens e intimidações, por suas disfunções afetivas na dependência materna, figura que é a base de sua sustentação, mas também a repreensora velada de sua natureza íntima: a homossexualidade.

A abertura sem vírgulas dessa sua característica pode ser a grande polêmica do filme, rechaçada por seus defensores, vista como uma desonra. Clint intensifica esse aspecto de seu personagem e o filme não faz concessões a qualquer dúvida quanto a isso. Mas em momento algum faz disso matéria de julgamento moral. No entanto, apesar da posição que ocupava e dos anos em que viveu, sua sexualidade não é fator determinante para a construção de seu caráter, de seus resentimentos e de sua postura ideológica.

Com o talento e a sensibilidade de sempre, Clint trabalha isso na esfera da complexidade humana, no modo como J. Edgar se deixa ou não afetar. Mas não passa em branco seu relacionamento de uma vida inteira com Clyde Tolson (Armie Hammer), que foi seu braço direito no FBI por todo o tempo que permaneceu à frente do bureau.

Sem qualquer demérito pelo que construiu, a figura de J. Edgar não é enaltecida pelo filme, que não ameniza em nada sua crueldade, seus preconceitos e sua luta contra o que considerava ameaças a si e ao país. De Caprio incorpora com competência esta personalidade que nunca foi ambígua na determinação de passar por sobre qualquer coisa que estivesse em seu caminho. Suas convicções sempre foram claras e sua postura muito bem definida.

Sem enfeites, J. Edgar é um filme honesto, desburocratizado e eficiente. Não busca um retrato histórico acrítico, mas um retrato em perspectiva de uma figura cujo valor como homem e cidadão pode ter mais de uma faceta. Vai da vilania à determinação pelo dever, mas não passa pela coragem. Para além do bem e do mal, Hoover é construído por Clint como um homem que teve na amargura das convicções o tempero de toda sua vida. Foi grande e pequeno ao mesmo tempo. E deixou, sim, um legado. Mas um legado manchado por ações covardes e indefensáveis.

J.EDGAR (Idem, EUA, 2011) Direção: Clint Eastwood Roteiro: Dustin Lance Black Elenco: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Judi Dench, Stephen Root Duração: 137 min Distribuição: Warner Bros.

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Entre as belezas naturais do estado do Havaí, lá estão uma highway e um cemitério nas primeiras sequências de Os Descendentes, filme adaptado do livro homônimo de Kaui Hart Hemmings. A narração em off, com Matt King (George Clooney) afirmando que a idéia de paraíso não existe mais, cabe à locação e a vida de seu protagonista. Afinal, sua família está distante e se separa a cada dia mais. Como o arquipélago mais distante dos Estados Unidos.

Alexander Payne (Sideways – Entre umas e outras, Eleição, As Confissões de Schmidt) perito na desconstrução de persona em leves tons, nesta sequência aponta o caminho para o seu filme: a relação com a morte e a chegada avassaladora da urbanização ao arquipélago. Matt enfrenta a pressão de criar suas filhas após o acidente que deixou sua esposa em coma e a venda de hectares herdados para construção de um resort que salvaria a vida de seus distantes e falidos primos.

O filme não se limita aos contornos melodramáticos. A relação com as filhas, deslocadas e prafrentex (que rende ótimos conflitos de gerações e a idéia de fim da autoridade na instituição familiar), e a descoberta de um caso extraconjugal por parte da esposa dão a leveza necessária e característica dos filmes de Payne. Rico em alusões imagéticas ao estado mental de seu protagonista, pressionado pelo símbolo que decifrado dá o mesmo peso à esposa e as filhas como reflexo da população havaiana, vítima de fenômenos naturais e do exacerbado crescimento do turismo e do processo de urbanização do local.

OS DESCENDENTES (The Descendants, EUA, 2011) Direção: Alexander Payne Roteiro: Alexander Payne, Jim Taylor, Kaui Hart Hemmings, Nat Faxon, Jim Rash Elenco: George Clooney, Shailene Woodley, Matthew Lillard, Beau Bridges Duração: 115 min Distribuição: Fox

Se o prêmio da academia é referência para o futuro da carreira do filme no quesito comercial e para o futuro profissional de seus realizadores, paralelamente o Festival de Cannes ganha a mesma importância pela indicação do vencedor da Palma de Ouro, A Árvore da Vida de Terrence Malick, emtrês categorias marcando o encontro entre arte e comércio. O Artista, de Michel Hazanavicius, também exibido em première em Cannes, foi indicado à nove estatuetas; perde apenas para Hugo, de Martin Scorsese, com onze indicações. O ponto baixo vai para Drive, prêmio de Melhor Direção do festival francês, que obteve apenas uma indicação. Até o início da temporada de premiações, este era o favorito ao prêmio máximo. Woody Allen, que não frequenta as cerimônias do Oscar – e é constantemente visto em Cannes, incluindo a edição do ano passado na première de Meia Noite em Paris – ganhou quatro indicações pela homenagem aos anos 20, que divide o tema com o filme de Hazanavicius, grande favorito à estatueta de melhor filme. Nossas apostas? Estão sublinhadas!

E os indicados são:

MELHOR ATOR

Demián Bechir por A BETTER LIFE
George Clooney por OS DESCENDENTES
Jean Dujardin por O ARTISTA
Gary Oldman por O ESPIÃO QUE SABIA DEMAIS
Brad Pitt por O HOMEM QUE MUDOU O JOGO

MELHOR ATOR COADJUVANTE

Kenneth Branagh por SETE DIAS COM MARILYN
Jonah Hill por O HOMEM QUE MUDOU O JOGO
Nick Nolte por GUERREIRO
Christopher Plummer por TODA FORMA DE AMOR
Max Von Sydow por TÃO FORTE, TÃO PERTO

MELHOR ATRIZ

Glenn Close por ALBERT NOBBS
Viola Davis por HISTÓRIAS CRUZADAS
Rooney Mara por OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES
Meryl Streep por A DAMA DE FERRO
Michelle Williams por SETE DIAS COM MARILYN

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
Bérénice Bejo por O ARTISTA
Jessica Chastain por HISTÓRIAS CRUZADAS
Melissa McCarthy por MISSÃO MADRINHA DE CASAMENTO
Janet McTeer por ALBERT NOBBS
Octavia Spencer por HISTÓRIAS CRUZADAS

MELHOR FILME DE ANIMAÇÃO
UM GATO EM PARIS de Alain Gagnol e Jean-Loup Felicioli
CHICO & RITA de Fernando Trueba e Javier Mariscal
KUNG FU PANDA 2 de Jennifer Yu Nelson
O GATO DE BOTAS de Chris Miller
RANGO de Gore Verbinski

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE
O ARTISTA
HARRY POTTER E AS RELÍQUIAS DA MORTE – PARTE 2
HUGO
MEIA NOITE EM PARIS
CAVALO DE GUERRA

MELHOR FOTOGRAFIA
Guillaume Schiffman por O ARTISTA
Jeff Cronenweth por OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES
Robert Richardson por HUGO
Emmanuel Lobezki por A ÁRVORE DA VIDA
Janusz Kaminski por CAVALO DE GUERRA

MELHOR FIGURINO
Lisy Christi por ANÔNIMO
Mark Brigdes por O ARTISTA
Sandy Powell por HUGO
Michael O’Connor por JANE EYRE
Arianne Phillips por W.E

MELHOR DIRETOR
Michel Hazanavicius por O ARTISTA
Alexander Payne pro OS DESCENDENTES
Martin Scorsese por HUGO
Woody Allen por MEIA NOITE EM PARIS
Terrence Malick por A ÁRVORE DA VIDA

MELHOR DOCUMENTÁRIO
HELL AND BACK AGAIN de Danfung Dennis e Mike Lerner
IF A TREE FALLS: A STORY OF THE EARTH LIBERATION FRONT de Marshall Curry e Sam Cullman
PARADISE LOST 3: A PURGATORY de Joe Berlinger e Bruce Sinofsky
PINA de Wim Wenders e Gian-Piero Ringel
UNDEFEATED de TJ Martin, Dan Lindsay e Richard Middlemas

MELHOR EDIÇÃO
Anne-Sophie Bion e Michel Hazanavicius por O ARTISTA
Kevin Tent por OS DESCENDENTES
Kirk Baxter and Angus Wall por OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES
Thelma Schoonmaker por HUGO
Christopher Tellefsen por O HOMEM QUE MUDOU O JOGO

MELHOR FILME ESTRANGEIRO
BULLHEAD de Michaël R. Roskam (Bélgica)
FOOTNOTE de Joseph Cedar (Israel)
IN DARKNESS de Agniezska Holland (Polônia)
MONSIEUR LAZHAR de Phillippe Falardeau (Canadá)
A SEPARAÇÃO de Asghar Farhadi (Irã)

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL
Michel Hazanavicius por O ARTISTA
Annie Mumolo e Kristen Wiig por MISSÃO MADRINHA DE CASAMENTO
J.C. Chandor por MARGIN CALL – O DIA ANTES DO FIM
Woody Allen por MEIA NOITE EM PARIS
Asghar Farhadi por A SEPARAÇÃO

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO
Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash por OS DESCENDENTES
John Logan por HUGO
George Clooney, Grant Heslov e Beau Willimon TUDO PELO PODER
Steven Zaillian e Aaron Sorkin por O HOMEM QUE MUDOU O JOGO
Bridget O’Connor e Peter Straughan por O ESPIÃO QUE SABIA DEMAIS

MELHOR MIXAGEM DE SOM
David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce e Bo Persson por OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES
Tom Fleischman e John Midgley por HUGO
Deb Adair, Ron Bochar, Dave Giammarco e Ed Novick por O HOMEM QUE MUDOU O JOGO
Greg P. Russel, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush e Peter J. Devlin por TRANSFORMAM – O LADO OCULTO DA LUA
Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson e Stuart Wilson por CAVALO DE GUERRA

MELHOR EDIÇÃO DE SOM
Lon Bender e Victory Ray Ennis por DRIVE
Ren Klyce por OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES
Philip Stockton e Eugene Gearty por HUGO
Ethan Van der Ryn e Erik Aadahl por TRANSFORMERS – O LADO OCULTO DA LUA
Richard Hymns e Gary Rydstrom por CAVALO DE GUERRA

MELHOR FILME

O ARTISTA de Michel Hazanavicius
OS DESCENDENTES de Alexander Payne
TÃO FORTE, TÃO PERTO de Stephen Frears
HISTÓRIAS CRUZADAS de Tate Taylor
HUGO de Martin Scorsese
MEIA NOITE EM PARIS de Woody Allen
O HOMEM QUE MUDOU O JOGO de Bennett Miller
A ÁRVORE DA VIDA de Terrence Malick
CAVALO DE GUERRA de Steven Spielberg

Terrenos já explorados por David Fincher em Seven – Os Sete Pecados Capitais e Zodíaco, a apuração de um caso policial e os valores éticos na execução do mal servem de suporte para a adaptação hollywoodiana de Os Homens que Não Amavam as Mulheres, livro homônimo de Stieg Larsson, também adaptado para o cinema por Niels Arden Oplev em 2009.

Ao contrário do filme de Oplev, disperso e distante dos protagonistas que resulta num filme frio e igualmente pungente, Fincher, já na apoteótica abertura intenciona um longa condensado pela estética sombria e a aproximação de personagens complexos para inseri-los em alegorias do gênero. Eles se transformam em adaptações do tradicionalismo de filmes de suspense americanos. Mikael Blomkvist (Daniel Craig) e Lisbeth Salander (Rooney Mara) aos poucos se transformam em articulações da história num ping-pong cansativo de sequências até o encontro dos dois, ainda no início do filme.

A partir deste encontro, Os Homens que Não Amavam as Mulheres segue a cartilha autoral de Fincher, endereçada à aura através de códigos já domesticados pelo publico, independentemente de seu perfil. A escuridão e o frio servem como um personagem a mais para a história, lembrando intensamente que a condição dos protagonistas é suficientemente complexa, automaticamente eliminando qualquer possibilidade de um estudo maior deles – ainda que subjetivo – durante a investigação.

A redenção em caminhos concomitantes para Blomkvist e Lisbeth é o guia da narrativa trivial que falha em construir uma teia conspiratória a partir da culpa que os protagonistas carregam. Contemporâneo, sim. Saturado, também.

MILLENIUM – OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES (The Girl With the Dragon Tattoo, EUA/Suécia/Reino Unido/Alemanha, 2011) Direção: David Fincher Roteiro: Steven Zaillian Elenco: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Robin Wright Duração: 158 min Distribuição: Sony Pictures

Antes da análise da natureza do mal e seu curso hereditário, Precisamos Falar Sobre o Kevin é sobre o instinto materno, inabalável e imutável. A transposição do livro de Lionel Shriver para as telas é rica em alusões imagéticas e utiliza as possibilidades do cinema como base narrativa.

Antagônico à era do patriarcalismo, Precisamos Falar Sobre o Kevin é a afirmação da figura da mãe na intensa relação de insatisfação e desencontros entre Eva (Tilda Swinton) e Kevin. O espaço de não-reconciliação referente à R.W. Fassbinder está no conflito de gerações. Eva e seu marido Franklin (John C. Reilly) vivem à margem da maturação da mente de seu filho, desde pequeno propenso ao sadismo. A partir da postura que oscila entre a submissão e a mágoa da mãe e o implícito descaso do pai, a questão da natureza do comportamento frio e calculista de Kevin. O comando de Lynne Ramsay é concentrado na desconstrução da manipulação na instituição familiar.

Sem respostas para a busca do grande culpado de Kevin ter se formado um monstro, Ramsay constrói um filme claustrofóbico e pungente, mesmo usando macetes saturados no modelo do novo cinema americano ao utilizar o mecanismo do melodrama – este que cria obrigações em obter motivos e respostas para ações e conseqüências, sem espaço para a contenção de informações e motivações sobre os personagens.

PRECISAMOS FALAR SOBRE O KEVIN (We Need To Talk About Kevin, Reino Unido, 2011) Direção: Lynne Ramsay Roteiro: Lynne Ramsay, Rory Kinnear, Lionel Shriver Elenco: Tilda Swinton, John C. Reilly, Jasper Newell, Ezra Miller Duração: 110 min Distribuição: Paris Filmes

Steven Spielberg não é mais o mesmo. Certo? Errado. Ele continua fazendo seus filmes da mesma maneira, com o mesmo apuro técnico. Afinal, ele é bom no que faz. O problema é que, bom ou não, ele continua fazendo seus filmes da mesma maneira.

Ao se repetir, Spielberg torna banal aquilo que fez dele um dos grandes nomes do cinema americano: sua capacidade de contar histórias através da grande aventura. Em As Aventuras de Tintim, não apenas se nota a banalização desta tal grande aventura, como se percebe também a ausência de uma grande história. E, no caso específico do repórter Tintim, o desperdício de um grande personagem.

Tintim surgiu nas histórias em quadrinhos em 1929, criado pelo artista belga Hergé, pseudônimo de George Remis (1907-1983). Trata-se de um jovem repórter aventureiro que, acompanhado sempre por seu cãozinho Milú, se envolve em diversas aventuras. As histórias de Tintim se tornaram muito populares na França e no mundo ao longo das décadas seguintes à sua criação. No imaginário europeu, principalmente, Tintim e suas aventuras ocupam lugar de destaque.

A adaptação de Spielberg é uma animação com atores de verdade. O diretor optou pela técnica do motion capture, tecnologia que permite captar com precisão os movimentos e as expressões faciais de atores reais e depois transpô-las para um personagem digital. É a mesma técnica que foi usada para criar o personagem Gollun de O Senhor dos Anéis e, mais recentemente, o macaco Caesar, de Planeta dos Macacos: A Origem. Não por acaso, ambos interpretados por Andy Serkys, ator que vem se especializando em criar personagens a partir desta técnica e que também está no filme, no papel do Capitão Haddock.

A trama da fita é baseada no álbum O Segredo do Licorne, publicado originalmente em 1943. Nela, Tintim se envolve por acaso no mistério de um navio desaparecido há muitos anos e enfrenta bandidos que tentam encontrá-lo a qualquer preço. Durante a investigação do mistério, alguns personagens clássicos do universo criado por Hergé vão surgindo, para alegria dos fãs. O destaque, naturalmente, fica com o Capitão Haddock, com quem o jovem repórter divide a aventura.

Não há muito mais o que dizer da trama. Em pouco tempo Tintim estará completamente absorvido pela ação quase incessante do filme. São sequências intermináveis, de um cinema hiperativo, com pouco espaço para respiros. É essa ação destemperada que prejudica o filme e banaliza o personagem. É onde se tem a repetição, em estilo e cadência, de outros filmes do diretor, como a série Indiana Jones, referência natural.

No universo do personagem dos quadrinhos é notável sua mobilidade intensa. Não raro, para quem já leu suas histórias, a imagem mais recorrente que se tem é dele correndo, em constante movimento. Mas Spielberg transformou isso em um suprafôlego que mata qualquer charme e encanto que o personagem traga. Mesmo a qualidade da ação, embora bem coordenada e pensada, não acrescenta nada de novo, não vai além de uma sucessão de artifícios, malabarismos e peripécias comuns do cinema de aventura.

A ausência de um espaço para o desenvolvimento da história, de um intervalo razoável para o assentamento do personagem e suas características, além de uma continuidade estendida além do razoável das cenas de ação, mais desconectam do que ligam. Não é difícil se desinteressar por essa ação durante seu andamento, querendo que ela termine para que a história siga adiante.

As Aventuras de Tintim pode agradar ao público infantil, ávido por movimento, embora talvez até mesmo esse possa se cansar do exagero. Mas é um filme falho em criar encanto e aproximação, como o diretor já fez com melhor mão em outras ocasiões. É certo que o cinema mudou muito desde E.T. O Extraterrestre (1982), mas uma boa história sempre pode ser contada através do cinema, não importa a época. Basta que para isso exista equilíbrio e bom senso para distinguir o que é história e o que é apenas distração.

AS AVENTURAS DE TINTIM (The Adventures of Tintin, EUA/Nova Zelândia/Bélgica, 2011) Direção: Steven Spielberg Roteiro: Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish Elenco: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Nick Frost Duração: 107 min Distribuição: Sony Pictures